Katzen in der Kunst - hübsche Gesichter, kulturelle Messgeräte | Wurfkastentraining 2020

Anonim

„Keine Katze mit Selbstachtung möchte ein Künstlermodel sein.“ - Anonym

Im Laufe der Geschichte hatte die Katze eine prekäre Beziehung zur Menschheit. Manchmal befürchtet, öfter verehrt, wurden Katzen weder vom Menschen ignoriert noch gleichgültig betrachtet. Diese unberechenbaren Einstellungen wirken sich auch auf die visuelle Kultur aus. Obwohl Künstler die Darstellung von Katzen auf unterschiedliche Art und Weise betrachten und sie entweder distanziert oder mit offensichtlicher Zuneigung darstellen, tauchen tiefere Reflexionen sozialer Wahrheiten unter den oberflächlichen Bildern auf. Das Aussehen der Katze in der Welt der Kunst geht über eine interessante Form hinaus, die nur zu dekorativen Zwecken verwendet wird. Katzen dienen als semiotische Ikonen und spiegeln die zeitgenössischen kulturellen Einstellungen in ihren verschiedenen Erscheinungsformen wider.

Darstellungen von Katzen in der Kunst durchdringen die Geschichte, beginnend nach ihrer Domestizierung im alten Ägypten um 3.000 v. Um 1000 v. Chr. Verkörperte die Katze Bastet, eine Sonnengöttin und Tochter von Ra, der mächtigsten der Gottheiten. Bastet war die musikalische Göttin des Glücks, die Herrin des Herdes und die Beschützerin der Geburten. Diese göttliche Vereinigung verlieh den Katzen einen hohen Ehrenplatz in der Landschaft der ägyptischen sozialen Hierarchie. Es war ein Kapitalverbrechen, in der Antike eine Katze zu töten. Katzen wurden als heilige Wesen auch mumifiziert und heilig bestattet.

Als sich die Weltmacht nach Westen verlagerte, tauchten Katzen in der römischen Kunst auf. Die Römer hatten ein starkes Interesse an der Natur und wollten sie in ihre Häuser bringen. Katzen wurden oft in einem populären Kontext gezeigt; Ihre Anwesenheit war ein Indiz für das römische Privatleben als neu geeigneten künstlerischen Gegenstand. Diese weniger formalen Darstellungen weichen erheblich von der traditionellen Ikonographie, den Erzählungen über Götter und Göttinnen oder den aristokratischen Porträts wohlhabender Gönner und ihrer Familien ab. Die Anziehungskraft realistischer Elemente manifestierte sich in frühen Versuchen der Schattierung, z. B. dem Fell einer Katze eine strukturelle Dimension zu verleihen. Oft saßen Katzen auf Fischgräten, die von römischen Tischen weggeworfen wurden. Dies steht für den Wunsch der Künstler, Szenen aus dem häuslichen Leben abzubilden und die Wechselbeziehung zwischen Mensch und Tier aufzuzeigen.

Nach dem Fall Roms und dem Niedergang des Mittelalters um 1100 n.Chr. Gerieten Katzen in Ungnade. Das vorherrschende Thema in der Kunst waren Religion und Darstellungen von Christus, der Jungfrau Maria und verschiedenen Heiligen. Zu dieser Zeit wurden Katzen in der Kunst selten gezeigt, da sie mit Hexerei und der Verbindung zum Übernatürlichen verbündet waren, und wurden in Europa oft getötet. Ihre abnehmende Zahl hat möglicherweise zur Entstehung einer Rattenpopulation beigetragen, deren Flöhe 1348 die Große Pest nach Europa brachten. Katzen wurden wieder populär, nachdem ihre natürlichen Fähigkeiten zur Bekämpfung der Nagetierpopulation erkannt wurden.

Felines erschien erneut in der Kunst als Studien von Leonardo da Vinci. Mit seiner Vorliebe für Wissenschaft zeichnete da Vinci die Körperstruktur und Bewegungen einer Katze mit schnellen Skizzen auf, die in den Jahren 1517-18 fertiggestellt wurden. Zwanzig Katzen tauchen aus Da Vincis abgekürztem Stift und Pinselstrichen auf. Ihre verschiedenen Posen und katzenartigen Aktivitäten offenbaren Leonardos Beobachtungsgabe, seine Beherrschung der Technik und seine immense handwerkliche Kompetenz. Cornelis Visschers niederländischer Druck „The Big Cat“ aus dem 17. Jahrhundert zeigt ein anhaltendes künstlerisches Interesse an wissenschaftlicher Beobachtung.

Bis zum 18. Jahrhundert gewannen Katzen ein bisschen mehr Abwechslung in der Kunst. Chardin hat in seinem Stillleben „The Ray“ von 1728 eine Katze inmitten eines wahren Festmahls aufgenommen. Der Künstler war hauptsächlich daran interessiert, Texturen einzufangen, und hier kontrastiert das Fell der Katze mit dem filetierten Stachelrochen, den Austern, auf die er tritt, und dem grobes Geschirr. Wieder blicken wir auf eine ruhige Inneneinrichtung; Die Aufnahme einer lebenden Katze vermittelt der scheinbar ruhigen Komposition jedoch den Eindruck von Bewegung, Aktion und Lebhaftigkeit sowie ein subtiles humorvolles Element.

Chardins kanalübergreifender Zeitgenosse, der Engländer William Hogarth, verwendete gelegentlich Katzen, um einer Szene Wahrhaftigkeit zu verleihen, wie etwa der Familie der Scheunenkatzen, die im Vordergrund der Serie "Strolling Actresses Dressing in a Barn" von 1738 steht Besonders bevorzugt werden Katzen als Spiegelgeräte dargestellt, die die innere Natur seiner Figuren widerspiegeln. In Tafel drei des „Harlot's Progress“ ist eine Katze in einer Paarungsposition vor „Moll the Prostitute“ zu sehen. Ebenso ist die Katze im Porträt der „Graham Children“ als Antagonist zu sehen, der hungrig den im Käfig befindlichen Stieglitz beobachtet, während der der ältere junge interpretiert die angst des vogels ignorant als freude an seiner musik. In jedem der obigen Beispiele verwendet Hogarth die Katze, um seine Zuschauer leicht sardonischen Witzen auszusetzen.

Das 19. Jahrhundert bringt vielleicht die größte Vielfalt an künstlerischen Darstellungen von Katzen. Es gibt die traditionellen Assoziationen mit Zauberei, wie in Sir Edward Burne-Jones '„Clara von Bork“ von 1860. Die schwarze Katze fungiert hier als Vertraute einer Hexe. Gleichzeitig gab es einen Sektor, der sich aus der romantischen Bewegung in der Kunst ableitete und die Stimmung betonte. Der politisch mächtige Kardinal Richelieu wurde in der Kunst porträtiert, die eine geschäftige Arbeitssitzung unterbrach, um liebevoll einen Wurf verspielter Kätzchen zu bestaunen.

Das Familienporträt einer „Katze und eines Kätzchens“ erinnert nicht nur an die Süße und Zuneigung einer menschlichen Mutter und ihres Babys, sondern spiegelt auch bestimmte soziale Einstellungen wider. Um der zunehmenden Instabilität des modernen Lebens entgegenzuwirken, beteiligte sich die Gesellschaft des 19. Jahrhunderts an einer nostalgischen Sehnsucht nach den Standardidealen des vorigen Jahrhunderts, in denen soziale Positionen für Männer und Frauen anhand ihres Geschlechts definiert wurden. Männer sollten als aktive, fleißige Arbeiter die Öffentlichkeit besetzen, während Frauen, denen eine unterwürfigere Rolle übertragen wurde, aufgefordert wurden, ungebührliche öffentliche Aufmerksamkeit zu vermeiden, indem sie ihr Schicksal als Ehefrauen und Mütter in einem streng häuslichen Umfeld betrachteten.

Diese Haltung der Unterwerfung der Geschlechter dehnte sich auch auf die Kunstwelt aus. Mit wenigen Ausnahmen wurde Frauen im frühen 19. Jahrhundert die formale künstlerische Ausbildung verweigert und die offizielle Ausübung der „höheren“ Kunst der Geschichtsmalerei untersagt. Akzeptable Genres für Künstlerinnen beschränkten sich auf Porträts und Stillleben. So kann das so liebevoll gerenderte Porträt ihrer Haustierkatze „Bunny“ von Rosa Brett als Ergebnis tiefer sozialer Engpässe interpretiert werden.

Im Vereinigten Königreich des 19. Jahrhunderts hatten bestimmte Katzenrassen politische Konnotationen. So galt beispielsweise eine Tabby-Katze als die „Katze des Volkes“, ein Symbol für die aufstrebende Macht der Mittelschicht nach der industriellen Revolution. Als Nachfolger von William Morris reflektiert der Künstler Walter Crane in seinem „At Home“ den demokratischen Kontext der Arts and Crafts-Bewegung. Diese Schule war der Ansicht, dass Kunst "vom Volk und für das Volk" und nicht massenhaft auf Maschinen hergestellt werden sollte. Cranes realistische Darstellung des alltäglichen Tabbys symbolisiert diese Rückkehr zur künstlerischen Produktion des Proletariats.

Mit Beginn des 20. und 21. Jahrhunderts sind Katzen weiterhin beliebte künstlerische Bilder. Sie erscheinen als Pop-Art-Farbkleckse in Andy Warhols „A Cat Named Sam“ -Serie aus den 1950er Jahren oder werden mit einer minimalen und dennoch erkennbaren Katzenform wie Pablo Picassos „Cat and Bird“ zur Abstraktion stilisiert. Katzenfiguren durchdringen das gesamte Bild Kunst; Neben Öl-, Aquarell- und Feder- und Tintenkatzen gibt es auch Katzen aus Stoff oder Metallschrott, bemaltes Holz und Garn, sogar Wäscheklammern. Das Bild der Katze dient weiterhin als wertvolles und tragfähiges Maß für die Konvergenz von kultureller Ideologie und künstlerischer Produktion und als evokatives Symbol jenseits eines oberflächlich schönen, verwirrten Gesichts.